viernes, 16 de noviembre de 2007

PROYECTO

GRUPO DE INVESTIGACIÓN Y CREACIÓN ARTÍSTICA INTERDISCIPLINARIA

FORMULACIÓN DEL PROBLEMA

No hay una producción académico-artística que evidencia el interés por parte de la comunidad académica de la escuela Superior Tecnológica de Artes “Débora Arango”, por la reflexión y la creación artística desde el marco de la Transdisciplinariedad y la Interdisciplinariedad -Se entiende por interdisciplinariedad artística, la reflexión o la creación que surge de la sana combinación e interacción de diferentes miradas estéticas o planteamientos técnico-metodológicos de las artes entre si-.


MARCO GENERAL

El arte al igual que la ciencia, es una visión del mundo entre muchas otras. Durante muchos siglos el arte estuvo emparentado con la ciencia occidental cuyos planteamientos podrían resumirse en el establecimiento de la negación del sujeto, es decir, el ser humano queda absolutamente por fuera de todos los procesos tanto conceptuales como empíricos sobre los productos o resultados científicos, la música clásica se permeó de tal planteamiento en la elaboración de reglas y procedimientos que demuestran la objetivación y por supuesto la racionalidad instrumental como la llamaba Max Weber, donde lo que no se inscribía dentro de tales reglas racionales no servía.

El proyecto de modernidad es la representación de tales aseveraciones, dentro de la propuesta de investigación que se plantea, es precisamente tales actitudes las que se quieren reivindicar, se trata de elaborar un dialogo con el espectador, el cual es entendido como un sujeto que siente, piensa y se construye con la experiencia, y es tal experiencia desde la estética la que puede generar en los sujetos, una manera diferente de ver la vida, su entorno y lo que ellos son.
No se trata de enmarcar la propuesta en torno a referentes o antecedentes que supuestamente, llevan al espectador como se ha creído siempre a disfrutar mucho más la obra, sino que al despojarse de tales referentes que en este caso son tomados más como distractores y hasta limitantes para el desarrollo y percepción individual de la experiencia estética, pueda dejarse inundar de percepciones y construcciones significativas desde su propio acercamiento y vivencia artística.
Se trata pues, de que el espectador construya y reconstruya su propia interpretación y experiencia de la obra de arte, tomando distancia frente a al paradigma de la ciencia positivista “pienso luego existo”, se quiere reivindicar la primacía de la elaboración subjetiva de la experiencia con el “Siento luego existo”, es muy sabido que tales afirmaciones pueden sonar elevadas y hasta ser consideradas como imposibles de realizar, pero como el mismo Small lo dice, es imperativo establecer nuevas percepciones del arte que no estén ya preestablecidas y que puedan aportar nuevas miradas y nuevas sensibilidades frente a lo que puede ofrecernos el arte.

La subvaloración que le hemos dado, ha dejado el arte como un objeto de consumo, y cuando más como un eslabón más de la industria cultural, que creemos disfrutar y quizá hasta subir de status cuando habitamos los espacios donde se ha delegado a las manifestaciones del arte, el teatro, el auditorio y demás espacios que en su encierro y disposición arquitectónica, hacen ver las divisiones que hemos heredado de épocas muy anteriores a la nuestra, sacar tales manifestaciones de la vida cotidiana, delegarles un espacio donde no irrumpa en la vida diaria y que haga parte sólo de de ese tiempo de nuestras vidas al que hemos calificado como ocio, pero que en realidad tiene que ver más con el tiempo donde no tenemos nada más que hacer, así nos la enseñado la sociedad de consumo, la cual sólo tiene dos esferas la productividad y el consumo, o hacemos parte de una o de la otra, de esta manera el arte queda pues, como un elemento superficial en nuestra sociedad capitalista, sobre esta base, que sentido tiene el arte en cuanto a las sensibilidades y percepciones que supuestamente pretende reivindicar??. Nuestra propuesta quiere ser pues una nueva forma de orientar las percepciones, y para esto el teatro o el auditorio, no serán los espacios esenciales donde se desarrollarán las representaciones artísticas, estará presente la pregunta por… ¿de qué manera puede el arte establecer nuevas miradas en espacios diferentes?.


la educación artística como experiencia de sujeto

En el proyecto se tiene como visión fundamental establecer la formación de públicos desde la experiencia estética, en este sentido la formación es entendida desde la acción del artista, desde la escogencia de los materiales para la obra como la puesta en escena misma.

En Humboldt se encuentra un proceso de humanización concebido como tarea que describe el lado objetivo de la educación del sujeto: el proceso educativo es concebido por él también como un proceso, abierto hacia delante, de mediación de lo sujetos con el mundo histórico y natural. Así, podemos leer en un fragmento de su “Teoría de la educación del hombre” (1793): esta tarea “se soluciona únicamente a través de la vinculación de nuestro Yo con el mundo hacia la interacción más universal, más estimulante y más libre que existe” (1956, p. 29).

Creo que la formación en general, tiene en si misma la posibilidad de hacernos sentir la experiencia de sujetos, en este sentido más aún la educación artística, ya que es ella desde el punto de vista estético la que nos permite lograr racionalidad, capacidad de autodeterminación, libertad de pensamiento y acción, a partir, de la apropiación y de discusión crítica de las sustancias objetivadas de la cultura.


El concepto de individualidad y colectividad desde la educación artística

La humanidad únicamente puede ser realizada en cada caso de manera individualizada; lo cual significa al mismo tiempo que el concepto de individualidad no es entendido por los teóricos clásicos de la educación, de modo “individualista”, como aislamiento autocentrado, sino que se refiere más bien a una individualidad sustancial, estando caracterizado por la relación de lo individual con lo general.

Es claro, que la formación del artista no puede darse desde una individualidad radical. Es imperativo para el artista la relación con los demás. Es en esta relación que se pueden generar las realizaciones individuales.
La formación del artista como individuo, no es, por tanto, posible en el aislamiento frente a los otros, sino en la comunicación con ellos; y es en esta comunicación donde los hombres se forman individualmente, donde se manifiestan en su individualidad y donde se reconocen y aceptan recíprocamente.

Creo que en el proyecto la dimensión estética es la que tiene mayor incidencia, ya que la propuesta interdisciplinaria pretende generar una experiencia estética que estimule la sensibilidad, proyecte la expresión artística, se relacione con lo cotidiano, genere canales de socialización. Está comprendida, pues, desde el marco amplio que plantea Klafki de lo que puede ser la reflexión estética.


OBJETIVO GENERAL

Construir a partir de los docentes y alumnos de la Escuela Superior Tecnológica de Artes “Débora Arango” entre los años 2008-2009, productos académico-artísticos, que estén consolidados desde una visión trans e interdisciplinaria.

OBJETIVOS ESPECIFICOS:

Conformar un colectivo interdisciplinario cuyo trabajo académico-artístico fomente la reflexión individual y grupal para la gestión, creación y proyección del que hacer propio de la Escuela Superior Tecnológica de Artes “Débora Arango”.

Consolidar programas y actividades constantes que permitan crear una conciencia de comunidad académica para la reflexión, el debate y la crítica propositiva al interior de la Escuela Superior Tecnológica de Artes “Débora Arango”.

Fomentar la creación de productos artísticos interdisciplinarios.

Participar en diferentes escenarios donde de destaque la reflexión y la creación artística desde la transdisciplinariedad y la interdisciplinariedad.


ESTRATEGIAS

Operativas:

Salón para reuniones
Mesa, sillas, papelería.
Medios (TV., vhs, v.beam, cámara fotográfica, cámara filmadora)
Instrumentos musicales.

Académicas:

Generar campos de discusión desde concepto de interdisciplinariedad.
Ampliar referentes conceptuales frente a la investigación en las artes.
Profundizar las reflexiones estéticas y pedagógicas en la música, las artes plásticas y las artes escénicas.
Establecer conexiones académico-artísticas con diferentes instituciones regionales, nacionales e internacionales que trabajen en la misma línea investigativa.

Producción:

Eventos artísticos
Conciertos
Publicaciones académicas
Ponencias
Seminarios
Foros
Jornadas.


METODOLOGÍA

El proyecto estará fundamentado desde dos líneas de acción, La académica y la creativa, La propuesta desde lo académico, pretende desde la investigación, establecer todas y cada una de las reflexiones que hoy nos tocan y se hacen cada vez más evidentes, algunas temáticas o mesas de trabajo serán: el lugar del arte en nuestro tiempo, el papel del arte dentro de la educación y la sociedad, la relación entre el arte y la sociedad, el tiempo del arte, el arte y la razón, el arte y las sensibilidades.
La línea creativa se establece desde la consolidación de productos artísticos interdisciplinarios que reafirmen constantemente la interacción entre las diferentes áreas (Música, Artes Plásticas, Teatro, Danza).


EVALUACIÓN

La verificación del logro del objetivo del proyecto se obtendrá mediante la revisión de cada uno de los registros de asistencia, registros fotográficos, registros de video, también se podrá tener en cuenta el número y la calidad de producciones tanto académicas como artísticas que serán publicadas y difundidas en ambientes académicos y artísticos.

martes, 2 de octubre de 2007

Reflexiones texto La visión Científica del Mundo de Christopher Small


El arte al igual que la ciencia, es una visión del mundo entre muchas otras. Durante muchos siglos el arte estuvo emparentado con la ciencia occidental cuyos planteamientos podrían resumirse en el establecimiento de la negación del sujeto, es decir, el ser humano queda absolutamente por fuera de todos los procesos tanto conceptuales como empíricos sobre los productos o resultados científicos, la música clásica se permeó de tal planteamiento en la elaboración de reglas y procedimientos que demuestran la objetivación y por supuesto la racionalidad instrumental como la llamaba Max Weber, donde lo que no se inscribía dentro de tales reglas racionales no servía.
El proyecto de modernidad es la representación de tales aseveraciones, dentro de la propuesta de investigación que se plantea, es precisamente tales actitudes las que se quiere reivindicar, se trata de elaborar un dialogo con el espectador, el cual es entendido como un sujeto que siente, piensa y se construye con la experiencia, y es tal experiencia desde la estética la que puede generar en los sujetos, una manera diferente de ver la vida, su entorno y lo que ellos son.
No se trata de enmarcar la propuesta en torno a referentes o antecedentes que supuestamente, llevan al espectador como se ha creído siempre a disfrutar mucho más la obra, sino que al despojarse de tales referentes que en este caso son tomados más como distractores y hasta limitantes para el desarrollo y percepción individual de la experiencia estética, pueda dejarse inundar de percepciones y construcciones significativas desde su propio acercamiento y vivencia artística.
Se trata pues, de que el espectador construya y reconstruya su propia interpretación y experiencia de la obra de arte, tomando distancia frente a al paradigma de la ciencia positivista “pienso luego existo”, se quiere reivindicar la primacía de la elaboración subjetiva de la experiencia con el “Siento luego existo”, es muy sabido que tales afirmaciones pueden sonar elevadas y hasta ser consideradas como imposibles de realizar, pero como el mismo Small lo dice, es imperativo establecer nuevas percepciones del arte que no estén ya preestablecidas y que puedan aportar nuevas miradas y nuevas sensibilidades frente a lo que puede ofrecernos el arte.
La subvaloración que le hemos dado, ha dejado el arte como un simple objeto de consumo, y cuando más como un eslabón más de la industria cultural, que creemos disfrutar y quizá hasta subir de status cuando habitamos los espacios donde se ha delegado a las manifestaciones del arte, el teatro, el auditorio y demás espacios que en su encierro y disposición arquitectónica, hacen ver las divisiones que hemos heredado de épocas muy anteriores a la nuestra, sacar tales manifestaciones de la vida cotidiana, delegarles un espacio donde no irrumpa en la vida diaria y que haga parte sólo de de ese tiempo de nuestras vidas al que hemos calificado como ocio, pero que en realidad tiene que ver más con el tiempo donde no tenemos nada más que hacer, así nos la enseñado nuestra sociedad de consumo, la cual sólo tiene dos esferas la productividad y el consumo, o hacemos parte de una o de la otra, de esta manera el arte queda pues, como un aderezo en nuestra sociedad capitalista, sobre esta base, que sentido tiene el arte en cuanto a las sensibilidades y percepciones que supuestamente pretende reivindicar??. Nuestra propuesta quiere ser pues una nueva forma de orientar las percepciones, y para esto el teatro o el auditorio, no serán los espacios esenciales donde se desarrollarán las representaciones artísticas, sacar el arte del encierro tiene que ver tanto con lo literal como con lo implícito que encierra tal palabra, de qué manera puede el arte establecer nuevas miradas en espacios diferentes?.
La propuesta interdisciplinaria desde el punto de visa académico, pretende establecer todas y cada una de estas reflexiones, que hoy nos tocan y se desarrollan casi que en nuestras narices, el lugar del arte en nuestro tiempo, el papel del arte dentro de la educación y la sociedad, la relación entre el arte y la sociedad, el tiempo del arte, el arte y la razón, el arte y las sensibilidades, todos son temas que pueden hoy hacernos repensar la situación del arte en nuestros tiempos, donde con la era tecnológica, la globalización, el sobrecalentamiento global, y demás situaciones que afectan nuestra posibilidad de sobrevivir como seres humanos concientes de nosotros mismos y de nuestro entorno, quizá sea el arte la posibilidad de entender nuestra responsabilidad con nosotros mismos y con el mundo que nos rodea.

martes, 18 de septiembre de 2007

Trabajo sobre los 2 Primeros Textos Christopher Small "Música, Sociedad y Educación"

Preguntas Documento La Cadencia Perfecta.

  1. Qué relaciones existen entre la música y la historia de la música.
  2. Qué conceptos considera relevantes en la historia de la música para la construcción de un conocimiento musical.
  3. La armonía tonal construye nuevos conocimientos para la música, refiera su proceso.
  4. Los conceptos musicales que usted considera hoy más importantes son...
  5. Refiera un concepto personal del documento.

Desarrollo

1. Las relaciones existentes entre ambos conceptos tienen que ver con la vivencia empírica y las reflexiones o conceptualizaciones en algunos casos sistemáticas que hacemos de tales experiencias, la historia general nos ha demostrado que ambas se alimentan mutuamente, podría uno llegar a pensar desde una mirada muy superflua, que es quizá el hacer constante y las experiencias humanas que resultan de la apropiación que hacemos de nuestra realidad que surgen posteriormente la teorización e historización de dicha realidad. Frente a lo anterior, es importante plantear que si hacemos un análisis un poco más profundo, descubriremos que en realidad ambas se complementan y se construyen ya que como seres históricos que somos, nuestra realidad constantemente se esta historizando, y que sobre tal historización también se construyen diferentes formas de realidad y percepciones del mundo en que vivimos. En este sentido, es claro que pueden existir múltiples discursos y a su vez múltiples posibilidades de experiencias. Nuestra historia, es decir, la historia de occidente, es una entre muchas otras historias que existen en nuestro mundo, y no es más ni menos que aquellas, es más prudente tratarla desde la diferencia. La historia de la música a su vez, a tenido que transportar sus perspectivas, historicidad, propuesta artística a sus propios lenguajes, tanto el historiador como el artista se han nutrido mutuamente de sus propios productos, es el caso de artistas que no siguen una supuesta línea creativa o interpretativa para la concepción de sus obras, y esto no los hace menos válidos, sino, que hacen parte de una reflexión importante que amplía el horizonte creativo y que cuestiona de alguna manera las certezas y supuestos que tan acostumbrados estamos frente a la diferencia cuya brecha es tan grande de lo que es y no es…

2. Existen muchos conceptos en la historia de la música, pero para la construcción de un conocimiento musical creo que es importante nombrar aquellos que han logrado hacer parte fundamental y hasta esencial de diferentes procesos creativos e interpretativos en la historia: conceptos tales como la música como apropiación individual y colectiva del mundo y la realidad, tal concepto considero importante desde la generalidad como la especificidad de su implicación ya que con este, puede hacerse todo un recorrido desde la antigüedad hasta nuestros días del fenómeno musical y no sólo desde el contexto occidental sino, desde los demás contextos que continuamente desconocemos o desmeritamos. Otro concepto que considero importante es, el estilo musical, que representa históricamente las diversas formas de apropiación frente al hacer musical, influenciado por los diferentes contextos en que se llevan a cavo. El concepto del tiempo, como elemento esencial del sonido me parece realmente importante, la lógica y las relaciones lógicas.

3. La armonía tonal como paradigma musical desde 1600 hasta nuestros días incluso, construye nuevos conocimientos para la música, ya que como producto o más bien como resultado de un apogeo cultural posrenacentista, está revestida de toda una ideología y a la vez de diferentes posiciones tanto filosóficas, sociológicas, psicológicas y demás, que la hacen la gran invención de la música occidental hasta nuestros días. Ya desde antes de 1600 la obra de Guillaume Dufay cuyo motete de 1474, Ave Regina Colorum, contiene, como señala Wilfrid Mellers, un hermoso ejemplo temprano del uso de la tercera menor en contraste con la tercera mayor para obtener un efecto expresivo personal y dramático, se pone efectivamente en claro la naturaleza de la continuidad existente entre la obra de los maestros renacentistas y sus sucesores posteriores a 1600. el reconocimiento de las triadas armónicas como unidades básicas de la composición, el desplazamiento del interés desde el movimiento de las voces individuales a las progresiones de tríadas. En este momento nació la la técnica de la armonía funcional tonal, el movimiento formalizado de los acordes en sucesión, que se convirtió en un medio expresivo por derecho propio. Es interesante que la armonía, el elemento lógico por excelencia, sea el que se enseñe en forma más sistemática, y el más restringido por reglas.


4. Para mi los conceptos musical más relevantes no se alejan de los elementos establecidos en la composición del sonido ellos son: altura, timbre, intensidad y duración, considero que también otro de los elementos esenciales y que muy pocas veces se le ha tomado en cuenta es el espacio, dentro de la concepción estética de la música se ha considerado la esta como un arte que desarrolla su papel en el tiempo, lo que paralelamente las artes plásticas hacen en el espacio, creo que limitar estas cuestiones es muy poco pertinente ya que ambas tienen de lo uno y lo otro, la música como un arte abstracto que se desarrolla en el tiempo, también requiere del concepto espacio para ser desarrollado y percibido. Como dice Christopher Small “…El marco espacial es bastante obvio, situamos los sonidos en un edificio o en otro espacio construido o reservado para ese fin y cuidadosamente aislado para que no puedan entrar los ruidos de la vida diaria – y quizá también para que los sonidos no puedan escapar hacia el mundo -, mientras que los ejecutantes están instalados sobre una plataforma, aparte del público. La separación entre el mundo de la música y el de la vida diaria se acentúa por obra de los rituales menudos de la sala de conciertos y del teatro de ópera…”, creo pues que integrar a los conceptos estéticos de la música el elemento espacial, permite abrir las posibilidades de lectura, reflexión y creación en la música.

5. El texto me pareció realmente importantísimo no sólo para quienes estudiamos la música sino también para todas las personas que de alguna manera se interesan por la cultura, la sociedad, la educación y todo aquello que se relaciona con la construcción colectiva de diferentes saberes. El texto es pertinente en la medida que propone un discurso incluyente y posibilita la aceptación de otras culturas musicales, acercándose a ellas desde la diferencia y no desde la inferioridad en comparación con nuestra cultura occidental, es realmente una introspección en torno a nuestra cultura, o a lo que el llama como el hechizo. “Pero aunque no podamos escapar del condicionamiento que nos impone nuestra cultura, no es necesario que sigamos hechizados por él: el pez puede llegar a tener conciencia del agua en que nada. Es más; en épocas de cambio tan profundo y turbulento como la que, al parecer, con tan incómoda rapidez se avecina, la necesidad de hacerlo se convierte en urgente imperativo.


Preguntas Documento El Dominio de la Naturaleza

  1. Identificar los supuestos y las actitudes subyacentes de la ciencia occidental y relacione conceptos que permean la enseñanza de la música.
  2. Que relaciones considera usted interesantes entre ciencia y música.
  3. Que papel tiene la experiencia en la investigación científica y que reflexión obliga en el arte.
  4. Que esquemas de pensamiento cambió el modelo científico y como afectó esto el desarrollo de las artes.
  5. A partir del texto: con que conceptos podría usted reflexionar sobre el conocimiento de la música.

Desarrollo:

1. Los supuestos de la ciencia de occidente está enmarcados sobre la base de la supremacía de la utilidad y de la funcionalidad del conocimiento, resumido al número o exactitud estandarizada, es decir, a las leyes, toda la realidad, toda la naturaleza resumida en leyes explicativas. La separación del sujeto y objeto, lo que importa es el conocimiento y no la experiencia, otro de los supuestos tiene que ver con la concepción que se tiene del objeto a investigar o explorar el cuál debe ser considerado como una materia inerte que no tiene vida propia y que es susceptible de ser intervenido experimentalmente y reducido a una expresión matemática, existe también un supuesto que tiene que ver con la verdad y el valor; la ciencia occidental moderna se pone decididamente de parte de la idea de que la verdad ha de ser perseguida sin tener en cuenta sus consecuencias; lo que se puede descubrir debe ser descubierto, y de lo que se descubre se dice que es ajeno a toda valoración. Me parece importante que en la educación musical deben existir más que conceptos ciertas formas de asumir el arte y de tal posición frente a este, se pueden generar acciones que desde lo humano privilegien el sentido y el significado de lo transmisible, el otro no como un depositario de conocimiento, sino como un sujeto sensible y con capacidad de dar significados a las representaciones que se encuentran a su alrededor.

2. Creo que ambas en su gran mayoría, son productos de su propio tiempo, al igual que en la ciencia de occidente se alcanzó un nivel tal de sistematización y hasta de método para el dominio de la naturaleza, creo que la música con su sistema tonal armónico generó las mismas actitudes y supuestos de la ciencia. El período que denominamos clásico en la música es un periodo de las leyes musicales, tanto desde la armonía, la morfología y demás concepciones que se consideraban precisas e intocables, cualquier representación que estuviese fuera de tal norma era digna de desconfianza.

3. La experiencia en la investigación científica tiene un papel secundario por no decir que nulo, ya que lo que importa no es la vivencia como tal sea esta del investigador o del objeto investigado, sino el conocimiento que entre otras cosas se hace cada vez más acumulativo. Los sentimientos, las emociones, los miedos, las alegrías y demás, no hacen parte esencial en el proceso científico, es algo así como una alienación científica, es decir, el científico más que persona se convierte en una máquina que produce conocimiento. El arte por el contrario tiene la experiencia como su fundamento esencial para la producción creativa, que sería del artista que se objetiva de sí para la creación, su obra tomaría el papel de una razón que se está dando, fría, inerte y sin ningún tipo de valoración en si misma.

4. La naturaleza para los griegos, era algo vivo, impregnado por al mente, y el hombre tenía, por lo tanto, un parentesco intelectual y espiritual con la totalidad de ella y con todas las criaturas, al conocimiento científico moderno se le considera como un cuerpo abstracto de conocimientos y de teoría que existe fuera e independiente de la persona que conoce, el dominio de la naturaleza, el objetivo primario de querer explicar y resumir absolutamente todo cuanto existe a una formula matemática, son algunos de los esquemas que la ciencia cambió con respecto a la manera anterior de concebir la realidad, en este sentido, el arte, se permeó de dichos esquemas, priorizando en el caso de la música, la importancia de las relaciones armónicas por encima de cualquier otra manifestación musical, como la orquestación, las texturas y demás elementos, eran simplemente adornos que servían para realzar lo esencial, es decir, las relaciones armónicas existentes.

5. Creo que el conocimiento en música, debería estar fundamentado sobre las bases en primera instancia de lo humano, es decir, donde no prime el concepto de razón, sino la sensibilidad y la percepción a través del interaccionismo que cada sujeto haga con su propia realidad, creo que más que objetividad, tal conocimiento debe estar basado en la plena subjetividad, y en la libertad de sentidos y significados que se hagan de los productos y las creaciones artísticas, la música al igual que las demás artes no están llamadas a explicar o dominar nada, sino a expresar y reivindicar cada vez la al sujeto como ser humano y creador.

martes, 28 de agosto de 2007

Conceptos para la Configuración del Marco Teórico

1. ¿Qué espera usted formar musicalmente en la experiencia del espectador / estudiante /Participante /según sea el caso en su proyecto?
El proyecto como propuesta creativa y académica que pretende abordar la reflexión "interdiscplinaria" desde las artes, espera desde el trabajo creativo formar un espectador desde la experiencia estética enriquecida a partir de un trabajo que permita no sólo ofrecer lo sonoro, sino también lo visual y lo actoral. Desde el trabajo académico se pretende formar en el participante una visión del arte mucho más amplia a partir de la reflexión y el debáte frente a las practicas artísticas contemporáneas.
Klafki plantea el desarrollo del sujeto a partir de la mediación de los sujetos con el mundo histórico y natural, este elemento está implícitamente relacionado con la propuesta a partir de la construcción que el proyecto plantea desde la realización en vivo, de las diferentes propuestas artísticas, generando de este modo un espacio donde confluya la individualidad y la colectividad simultáneamente, propiciando, según Klafki, la vinculación de nuestro Yo con el mundo hacia la interacción más universal, más estimulante y más libre que existe”.
Atendiendo a la idea klafkiana sobre la cual el sujeto logra racionalidad, capacidad de autodeterminación, libertad de pensamiento y acción sólo dentro de procesos de apropiación y de discución críttica de una sustancialidad que en un principio no proviene de él. Es a partir de esta visión que la propuesta quiere respaldar y hacer pertinente el trabajo académico y reflexivo como objetivación de una actividad que toma forma concreta en las posibilidades de autodeterminación humana.
2.Como el proyecto permite al espectador / estudiante / participante / transitar autopercepción como individuo a sujeto que participa e interactua con los otros y por lo tanto puede intuir que los otros son como el, en su extensión sensible.
El proyecto, tanto desde su enfóque creativo como académico permite al espectador y al participante una experiencia que en primera instancia es percibida individualmente, esto como condición previa para desarrollar la plenitud que en potencia encierra en cada caso lo general.
Es pues, la experiencia subjetiva la que puede elaborar tramas que permitan interactuar con los otros e intuir a los otros como nosotros mismos.
Klafki plantea que la humanidad únicamente puede ser realizada en cada caso de manera individualizada, lo cual significa al mismo tiempo que el concepto de individualidad no es entendido de modo individualista, como aislamiento autocentrado, sino que se refiere más bien a una individualidad sustancial, estando caracterizado por la relación de lo individual con lo general.
El proyecto propone la creación de espacios donde confluyan simultáneamente las polaridades de individualidad y colectividad desde un ambiente de muestra creativa o reflexión académica, todo esto con el ánimo de generar una formación tanto en el participante como en el espectador donde exista una manifestación de sus individualidades y donde a las vez haya un reconocimiento recíproco frente al otro. La formación de la individualidad, dice Klafki, no es posible en el aislamiento del individuo frente a los otros, sino en la comunicación donde los hombres se forman individualmente, donde se manifiestan en su individualidad y donde se puede intuir que los otros son como él en su extensión sensible.
3.En su proyecto, cuales de las siguientes dimensiones conceptuales en educación tienen más incidencia: la cognitiva, la estética, la práctica?
En el proyecto la dimensión estética es la que tiene mayor incidencia, ya que la propuesta "interdisciplinaria", tanto desde el enfóque creativo como académico pretende generar una experiencia estética que estimule la sensibilidad, proyecte la expresión artística, se relacione con lo cotidiano, genere canales de socialización. Está comprendida, pues, desde el marco amplio que plantea Klafki de lo que puede ser la dimensión estética. La experiencia estética en los seres humanos según Klafki citando a Shiller produce la idea de la libertad, manifiesta en la espontaneidad y el orden establecido de la alegría de expresarse libre e individualmente y del juego regulado con otros de la comunicación de la propia subjetividad y de la participación simpática (en el sentido etimológico de de "padecer con", "sentir con") en la subjetividad de los otros en el campo comunicativo de la sociabilidad. También la experiencia estética permite reivindicarnos como hombres -seres humanos sensibles-, como experiencia de la felicidad, de la satisfacción humana, de la plenitud de una exisencia verdaderamente humana. Shillere planteaba "el hombre juega sólo cuando es hombre, en el pleno sentido de la palabra, y sólo es plenamente hombre cuando juega". Una vez más el arte, en compoañia de la experiencia es tética que produce nos lleva a confirmar nuestra condición humana cualitativamente específica y con valor propio.
Delimitación:
El proyecto pretende desarrollarse en el Marco de la Reflexión y la creación "Interdisciplinaria", las artes que interactuan en la propuesta son la música, las artes plásticas, el teatro, la danza y el video, todo esto dentro del ámbito acádemico y creativo de la Escuela Superior tecnológica de Artes Débora Arango.
Algunos objetivos del proyecto son:
  • Conformar un colectivo interdisciplinario cuyo trabajo académico-artístico fomente la reflexión individual y grupal para la gestión, creación y proyección del que hacer propio del artista deboriano.
  • Formalizar los debates extracurriculares que se dan en los espacios de ocio por parte de los diferentes sujetos que hacen parte de la comunidad estudiantil y docente de la Escuela Superior tecnológica de artes “Débora Arango”.
  • Reconceptualizar y teorizar sobre las propuestas artísticas contemporáneas.
  • Consolidar programas y actividades constantes que permitan crear una conciencia de comunidad académica para la reflexión, el debate interdisciplinario y la crítica prepositiva al interior de la Escuela Superior Tecnológica de Artes “Débora Arango”.
  • Proponer acciones artísticas interdisciplinarias que permitan proyectar la Escuela en ámbito artístico regional, nacional e internacional.

Propuesta de Preguntas del proyecto:

¿Existe el concepto de interdisciplinariedad en las artes?

¿Cuál es la pertinencia de la interdisciplinariedad en las prácticas artísticas contemporáneas?

¿Cómo se puede llevar a cabo un proyecto académico-creativo interdisciplinario?

Desarrollo Documento Andrés Klaus


1. ¿Cuales fueron los primeros elementos conceptuales trabajados por los griegos respecto a la formación?

Aunque el concepto de formación no aparezca en ellos de un modo explícito, ya desde Platón con su concepción de que “el alma es un material plástico”, y que su uso puede inclusive remitirse a tiempos anteriores, a la época de Protágoras con su propuesta de una “educación del alma mediante la verdadera euritmia y euharmostia. Según Protágoras, tanto el alma como el cuerpo eran aptos para ser formados por medio de la educación.
Había una concepción diferenciada del proceso de enriquecimiento interior que no se limitaba al dominio simplemente técnico o teórico.
Para Platón la educación del hombre es un proceso artístico que se sirve de la plasticidad del alma.
Los griegos denominaron Paideia a todas las formas y creaciones espirituales y al tesoro entero de su tradición, del mismo modo que nosotros lo denominamos Bildung o con la palabra latina cultura.

2. De que periodo es mas fuerte la imagen de formación como imagen fiel y viva de dios? Que papel jugó en ese contexto la música?: recurre a los conocimientos de historia del arte de dicho periodo.

El Periodo que se caracterizó por entender la formación como imagen fiel y viva de dios es la Edad Media, y con mucha más intensidad a finales del medioevo. En este período la concepción de la formación estaba basada en el pensamiento de que Dios y el hombre se comportan entre sí como la imagen originaria y la imagen semejante. Ser imagen semejante, fiel y viva de Dios significa tener participación en la verdad y en lo dado por Dios; pero significa también estar obligado a imitar la perfección de su imagen original.

La música durante este periodo era muy funcional, se le daba un papel importante en la iglesia, tenía atributos sobrenaturales como arrojar demonios, sanar enfermedades, fortalecer el carácter moral. Además tenía una concepción desde lo sagrado muy importante, era considera como una forma de acercarse a Dios mucho más efectiva que la misma oración. San agustín decía que el que canta ora dos voces.

3. En que consiste el concepto de secularización y como sucede este proceso en la música?

El concepto de secularización consiste en una forma de concebir la existencia más allá de lo religioso o lo sagrado, es quizá una forma más humana y terrenal de concebir el mundo, la naturaleza, el entorno en general, y también de concebirse los hombres entre si, asumiéndose desde el concepto de humanidad. Cambia en este sentido la formación religiosa por la formación cultural, educación es entonces el arte de formar a los hombres. La secularización en la música se empieza a dar desde la concepción estética de la música instrumental como una manifestación tan importante como la vocal, que hasta aquellos tiempos era la más importante, este periodo entonces está representado por el clasicismo alemán, con las figuras de Haydn, Mozart y Beethoven, es decir, lo que se conoce como la primera escuela de Viena.

4. Cuales considera usted son las teorías contemporáneas de formación mas relevantes en pedagogía? Y cuales considera mas importantes para la formación musical?

La Teoría de la Formación Funcional
La Teoría de la Formación Formal.
La Teoría Dialéctico-reflexiva de la Formación
Teoría de la formación Categorial
Creo que para la formación musical la Teoría dialéctico-reflexiva y la formación categorial tienen gran importancia, ya que en el primero de los casos es importante mediar entre lo subjetivo y lo objetivo de los contenidos de para la formación, y en el segundo caso, me parece interesante la formación musical como el momento en que el hombre se autorrealiza comprendiéndose a sí mismo y en el mundo.

5. Infiera usted algunos conceptos de formación musical importantes en la contemporaneidad y que pueda relacionar con su proyecto.

Me parece importante que dentro de la formación musical, más allá de los aspectos técnicos y teóricos, también exista una formación humanística que nos lleve a reflexionar sobre nuestro que hacer, y a pensarnos a nosotros mismos como sujetos que pueden aportar a la construcción de significados sociales, en una sociedad cada vez más alejada de la experiencia estética.
Creo que dentro de la propuesta que quiero desarrollar, esta construcción de significados, es un aspecto importante dentro del punto de vista pedagógico del proyecto ya que desde la creación interdisciplinaria y desde el aspecto académico de la propuesta, se pretende establecer una interacción mucho más amplia con el espectador.

martes, 21 de agosto de 2007

Primer Examen Parcial

1. Cuáles fueron los primeros elementos conceptuales trabajados por los griegos respecto al concepto de formación?
2. De que periodo es mas fuerte la imagen de formación como imagen fiel y viva de Dios?, Qué papel jugó en ese contexto la música?, Recurre a los conocimientos de historia de dicho periodo.
3. En que consiste el proceso de secularización y como sucede este en la música?.
4. Cuáles considera usted son las teorías contemporáneas de formación más relevantes en pedagogía?, ¿Cuáles considera más importantes para la formación musical?.
5. Infiera usted algunos conceptos de formación musical importantes en la discución contemporánea que pueda relacionar con su proyecto.
Formular máximo tres preguntas sobre lo que se desea hacer en el proyecto.
Proponer un Nombre...